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El jueves 15 de octubre de 2026, en Tidal Gallery (339 2nd St., Eureka), Natascha Pearson se reunió con Sara Kimber para hablar sobre The Silence Within, una exhibición colaborativa de pinturas y esculturas de Kimber y la artista Karla Austin.

Su conversación exploró las esculturas de Kimber de mujeres jóvenes, a menudo representadas junto a elementos naturales en momentos de tranquila contemplación. Su mensaje se centra en la justicia social y la autopreservación: la importancia de la autenticidad y la libertad de rechazar los roles asignados.

En una escala más amplia, el trabajo de Kimber fomenta la colaboración entre artistas, miembros de la comunidad y líderes de la sociedad y del gobierno. A través de la amabilidad y dándonos espacio para reflexionar, podemos crear un mundo en el que nos ayudemos mutuamente a prosperar en lugar de dominar y controlar.

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Natascha: Originaria del Reino Unido, Sara Kimber se mudó del Área de la Bahía a Humboldt en 2017 y ha expuesto localmente en College of the Redwoods y Cal Poly Humboldt. Actualmente cursa una Maestría en Bellas Artes en Fort Hays State University, en Kansas. Ha servido como presidenta de la Redwood Art Association desde 2020. Estoy agradecida de estar sentada frente a Sara hoy para hablar sobre su exposición colaborativa con Karla Austin, The Silence Within, y la conexión universal entre las mujeres, la naturaleza y el yo interior explorada a través de sus esculturas y las pinturas de Karla.

Natascha: Hola, Sara.

Sara: Hola, Natascha.

Natascha: ¿Cómo estás hoy?

Sara: Estoy muy bien. Qué día tan hermoso.

Natascha: Sí, hace mucho calor.

Sara: Sí.

Natascha: Gracias por estar aquí.

Sara: De nada.

Natascha: ¿Puedes contarnos sobre el significado detrás de The Silence Within y qué inspiró la exposición?

Sara: La exposición se inspiró en Karla Austin, mi compañera en esta exposición a dúo. Es como una conversación entre nuestro arte. Ella vino aquí primero y pidió exponer en la galería, y le dijeron que les encantaban las combinaciones de pintores y escultores. Sabíamos que nuestro trabajo tenía colores más o menos similares y que se complementarían entre sí. Así que ella me pidió que me uniera a ella, y me sentí increíblemente honrada.

Por eso.

The Silence Within trata sobre ese espacio que buscamos constantemente dentro de nosotros mismos, donde todo el caos del mundo, y toda la crueldad, simplemente no puede alcanzarte, donde tienes ese lugar silencioso para descansar y contemplar. Es como la búsqueda de ese silencio interior y soltar toda la maldad que está más o menos a nuestro alrededor en este momento. Es muy política. Es muy personal. Es social.

Natascha: Hay mucha energía que guardamos dentro de nosotros. ¿Cuáles son algunos de los temas que vemos al observar la exposición?

Sara: La gran escultura trata de salir del barro. Se llama Out of Muddy Water. Para mí, eso es la metamorfosis de emerger de la porquería.

Natascha: Sí.

Sara: Correcto. Entonces, el nenúfar, el loto, es un gran símbolo de cómo algo hermoso surge de algo tan turbio y lodoso.

Eso es lo que es esto. Empezó solo con la escultura y la figura y luego fue como creciendo y evolucionando. Tardó un año y medio en completarse para esta exposición.

Natascha: ¿Usas a menudo medios mixtos, como la madera, en tus cerámicas?

Sara: Bastante a menudo. Me encanta trabajar con metal.

Trabajé en esta pieza durante unos seis meses en una habitación que tenía un banco de secuoya que se ve así. Me di cuenta de que estaba usando colores que quedaban bien con la secuoya. Así que aproximadamente una semana antes de la instalación, fui y encontré una sección de secuoya para terminar la pieza y colocarla sobre ella. Así que creo que realmente la completó.

Natascha: Absolutamente.

Sara: Sí.

Natascha: Cuando hablas de los colores, son muy relajantes. Hay muchos colores en la naturaleza. ¿Por qué eliges usar esta paleta de colores?

Sara: Bueno, obviamente los verdes están muy basados en la naturaleza. Me gustan las cremas porque son algo neutrales y puedes ponerles tus propias cosas. También pueden imitar tonos de piel. Los colores que usé para esto estuvieron todos inspirados por el agua, los nenúfares. También está el rosa de los nenúfares. Trabajé para reflejar todos esos colores hacia arriba en algo así como el remolino alrededor de ella.

Karla usa muchos de los mismos colores. Yo lo llamaría, para mí, una tintura de carbonato de cobalto, que es uno de mis colorantes principales. Ella usa mucho el gris de Payne y azules profundos que realmente unen nuestro trabajo.

Natascha: Muy complementarios.

Sara: Sí.

Natascha: No suele ver este elemento externo en las esculturas. Estás creando un fondo o una escena junto con tu escultura. ¿Es esto común en la cerámica? ¿O es esto algo que te atrajo por tu cuenta?

Sara: Diría que no es común en la cerámica, per se. Creo que es común en el arte, especialmente si tiendes a ser artista de instalaciones. Realmente solo descubrí que probablemente eso es en parte lo que soy, porque nunca estoy del todo satisfecha con ellas solo por sí mismas. A menudo estoy creando estos entornos. Quizá sean esos años de jugar con casas de muñecas y muñecas. Necesitan sillas y cosas así. No sé, pero siempre siento que necesitan más, ¿no? Se vuelven vivas de esa manera.

Natascha: Mientras canalizas toda esta energía intensa, ¿hay un estado de juego en el que te encuentres en tu trabajo y tus creaciones?

Sara: Esa es una pregunta interesante porque pasé 30 años antes del arte haciendo gestión de proyectos en una empresa de ingeniería. Así que mi cerebro es un cerebro de ingeniera. Creo que por eso me atrae tanto la escultura, porque hay ese proceso de ingeniería en ella. Para mí, pienso en qué figura quiero crear, y entonces empieza la ingeniería. Tengo que construirla. Tengo que pensar en el grosor de la pared y en si se agrietará en el horno y en qué cosas encajarán entre sí. Pero una vez que tengo esa figura construida, entonces ocurre el arte, y es ahí cuando se vuelve muy creativo. Está el diseño, está la construcción, que es la ingeniería, y luego están las modificaciones.

Natascha: Parece que desafía ambos lados de tu cerebro.

Sara: Sí. Lo hace. Los une a ambos. Exactamente.

Natascha: ¿Qué te atrajo de la cerámica? ¿Es algo que has hecho desde la infancia? ¿Empezó con el dibujo y una pasión por el arte?

Sara: Siempre he sido apasionada por el arte. Era de una época. Creo que incluso ahora sigue pasando. Mis padres no me dejaban estudiar arte, así que me fui a la informática y la gestión de proyectos, y volví a ello después de tener a mi hija, como una forma de tener algo de tiempo para mí.

Durante esos años de criarla, fue bonito tener esa vía de escape. Simplemente fue creciendo y creciendo.

Siempre me han atraído las obras figurativas. Casi todo lo que dibujo es la figura. Casi todo lo que esculpo es la figura. Bueno, casi siempre. A menos que sea un oso o algo así, que es una figura. [Risas]

Cada niño aprende de manera diferente. Tienes un montón de niños, y todos son distintos. Algunos aprenden visualmente; otros aprenden, ya sabes, auditivamente. Yo soy una aprendiz táctil. Soy una aprendiz de manos en la masa. Así que creo que eso es lo que me impulsa tanto hacia esto, porque realmente estoy metida en ello. Me siento viva justo cuando estoy tocando el suelo, la tierra. Y está mucho más conectada con el lugar en el que estoy.

Natascha: ¿Qué edad tenías cuando empezaste?

Sara: Probablemente empecé a trabajar con arcilla cuando tenía 8 o 9 años.

En la comunidad local, pero muy poco. Muy poco.

Principalmente dibujaba en esa etapa porque era muy portátil. Viajábamos mucho cuando era joven, así que era agradable tener el dibujo para hacerlo en distintos lugares.

Natascha: Sí, creo que surge de una pasión de la infancia que quizá no te permitieron abrazar por completo. ¿Cómo ha cambiado tu arte a lo largo de los años?

Sara: Las formas se han vuelto más creíbles. La gente puede conectar más con ellas. También se han afianzado un poco más, reflejando cómo me sentí al crecer en un entorno bastante represivo y teniendo que ser siempre de cierta manera y no ser emocional. Creo que ves mucho de eso en mi arte, la emoción de guardar silencio y no decir lo que realmente sientes. Es como ese esfuerzo de emerger de todo nuestro condicionamiento.

No sé si eso tiene sentido. Es algo difícil de explicar.

Natascha: Sí.

Sara: Siempre fui “demasiado emocional”. “Ojalá fueras como este niño”. Eso formaba parte de mi educación emocional por parte de mis padres ingleses. Miss Labio Superior Tieso.

Natascha: Crear la cerámica te pone en un estado de movimiento.

Sara: Sí. Y conexión. Siento que está mucho más conectada con la tierra. Ya no puedo parar. Ahora que puedo hacerlo, simplemente no puedo parar. Estoy en el estudio de ocho a catorce horas al día. Luego tengo que ir a la RAA y hacer trabajo real. La gente viene a visitarme. Nuestras fiestas consisten en sentarnos en el estudio, tomar vino, hacer cosas. Es como si los creadores colaboraran.

Natascha: ¿Qué diferencia hay entre la pintura y la cerámica? Mencionaste que la cerámica proviene de la tierra. ¿Puedes hablar un poco más sobre tu conexión con la tierra cuando trabajas con cerámica?

El Mar Interior (2024), cerámica y caseína. Escultura de Sara Kimber. Foto: Rutherford/Pearson.

Sara: Cuando uso cerámica, definitivamente tengo una conexión con el lugar. Así que fue muy difícil para mí, con todos los cambios de casa que he hecho en mi vida, porque me conecto mucho con la naturaleza y con la zona en la que estoy. Solo después de nueve años en el condado de Humboldt sentí mis pies conectados al suelo, como si no estuviera caminando sobre la tierra equivocada.

Eso me toma un tiempo. No me di cuenta de eso hasta que empecé a hacer arte; creo que por eso estoy respondiendo de otra manera. Sí, por la materialidad de estos elementos de la tierra, ya sea metal o cerámica, simplemente son parte de la tierra, al igual que la madera. Sí uso pintura sobre ellos, una pintura de caseína, que no mucha gente usa. Es una pintura de leche, y la uso para el acabado en frío para añadir algunos efectos. Me encanta lo mate que es; no tiene un brillo artificial.

Natascha: ¿Es ese también el color más oscuro? ¿Tiene diferentes capas de color, o es solo transparente?

Sara: Entonces la arcilla, el color natural de la arcilla, es el color de su piel. Normalmente trato de mantenerlo así, a menos que esté haciendo algo como la dama nube de allá. Intento que la arcilla se vea en algún lugar. Así que ahí, la luz del sol, los reflejos en las nubes, son la arcilla. Trato de sacar la arcilla a relucir. Así que elijo una arcilla cuyo color me guste. Luego la teño después de la primera cocción. Normalmente uso una mancha de esmalte negro y luego esta mancha de carbonato de cobalto. Empiezo a añadir pintura encima de eso para crear la narrativa.

Natascha: Sí. Bueno, eso era lo que quería saber.

Sara: Sí. Y realmente no tengo reparos en usar cualquier cosa para hacer arte. Así que es como, lo que tenga sentido. Lo interesante es que no podría explicarlo en detalle, pero Karla hace lo mismo. Le preguntaba con qué medios empieza porque los míos son definitivos. Empiezo con arcilla, o empiezo con metal. Depende. A veces ella empieza con acrílico, a veces con acuarela, a veces con rotuladores, ¿no? Así que ambas tenemos ese tipo de conexión muy fluida con nuestra gran variedad de materiales.

Natascha: Entiendo. ¿Cuáles son algunas de tus influencias y mentoras?

Sara: Entonces probablemente mi mayor influencia sea una mujer llamada Susannah Israel, a quien te encantaría absolutamente, Natascha; deberías conocerla. Vive en Oakland. Es escritora, ceramista y crítica de arte. Hice mi primer taller serio de cerámica con ella. He tomado varias clases con ella, y sigue siendo una mentora. Todavía hablo con ella.

Michelle Gregor, otra ceramista figurativa del Área de la Bahía, también fue muy influyente para mí. En cuanto a artistas internacionales con los que me he relacionado, Cristina Cordova, quien es conocida por la cerámica figurativa, imparte muchas clases en la Penguin School of Ceramics. También hay un caballero llamado Assis Filho de Brasil, que hace talleres de anatomía. Con los años, poco a poco vas formando personas que son como tus hermanas del alma, tu familia artística. Luego está Adrian Arleo, otra chica en ese espacio.

Natascha: ¿Cuál fue la lección más difícil de aprender en tus clases a lo largo de tu formación en cerámica?

Sara: Esa es una lección que aún no he aprendido, que es que el horno tiene la última palabra.

Natascha: Cuéntame más.

Sara: ¿Qué significa eso? Bueno, cuando trabajas con cerámica y esmaltado, tienes todas estas grandes ideas de cómo va a quedar. Por lo general, puedes lograr que la forma se cueza. Eso suele ser fácil de hacer. Subiendo hasta 2,000 grados, es la primera cocción, luego el esmalte; nunca sabes del todo qué va a pasar. Puedes intentarlo, pero el horno tiene la última palabra. Así que, supongo, quizá lo he aprendido, pero una de las lecciones de la cerámica es que simplemente tienes que dejarte llevar y fluir con ello.

Natascha: ¿Qué parte de tu niño interior aparece en tu arte?

Sara: Vi esa pregunta. Mi niño interior no siente que sea lo suficientemente buena y no siente que mis emociones estén bien. Gran parte de ello ha sido tragarme eso para parecer una buena mujer británica. No mostrar cuando estoy enfadada, no mostrar cuando estoy triste. Eso es lo más difícil. No mostrar cuando estoy triste. Muchas de estas [esculturas] están procesando eso y simplemente callándose y tratando de encontrar ese espacio intermedio en el que quizá no avergüence a mi madre. Probablemente así es como se manifiesta el niño interior en ello.

Natascha: ¿El niño interior reconoce lo increíble que está resultando tu arte?

Sara: Me estás ayudando. Vale. En realidad no. Es increíble. Muchas gracias. Significa muchísimo. Formar parte de esta exposición con Karla ha sido increíble para mí. Ha sido una experiencia increíble.

Natascha: Muy agradecida por Tidal Gallery y por estar en Old Town Eureka.

Sara: Son increíbles.

Natascha: La comunidad aquí.

Sara: El regalo que estás devolviendo a la comunidad es maravilloso.

Natascha: Tu arte tiene muchas figuras, y me preguntaba cómo el niño, la doncella y la anciana aparecen en distintas piezas. ¿Cómo eliges la edad o quién es representado en estas diferentes esculturas?

Sara: Sabes, realmente no me importa mucho. Cuando pienso en lo que quiero hacer, busco una pose que me guste. Luego voy tomando de múltiples fuentes para los distintos aspectos, como el rostro. Puede que tome de una imagen, y del brazo puede que tome de otra, o algo así. Así que estás tomando de múltiples referencias.

No sé por qué. En realidad, esa es una muy buena pregunta. ¿Por qué son todas mujeres jóvenes? Quizá ahí fue donde me quedé estancada. Vale. Y quizá por eso estoy procesándolo a través de ello. ¿Verdad?

Noté en algunas de tus preguntas que preguntabas: “¿Por qué no represento hombres?” Y probablemente mi razón principal es que no soy un hombre, y es mi experiencia vivida. Es interesante porque creo que cada ser humano es una mezcla de energía, masculina y femenina. Como el yin y el yang, no todos somos basados en el género en cuanto a lo que es nuestra energía. Sí. Me parece gracioso que siempre elija a una mujer porque mucha gente me ve como alguien con una energía muy masculina. Algunos aspectos de mi energía son muy masculinos. Pero soy una mujer, y esa es mi experiencia vivida.

Natascha: Noté que las mujeres [en las esculturas] suelen estar solas. ¿Qué significa la soledad para ti?

Sara: La soledad significa una especie de escape del juicio. Siempre me enseñaron a acomodar a todos los que me rodeaban para asegurarme de que todos estuvieran contentos. Para mí, la soledad es en realidad poder escucharme a mí misma y encontrar el espacio interior. Probablemente viste algo de eso en nuestro trabajo juntas en RAA. Siempre estoy tratando de encontrar el equilibrio entre lo que todos están pensando en lugar de necesariamente imponer mi opinión. Creo que quizá eso forma parte de ello.

Natascha: Cuando creas arte y trabajas sola, ¿puedes procesar algunos de esos pensamientos?

Sara: No soy fan de trabajar sola. Hay varios amigos, ahora diría colegas, colegas de estudio, que vienen. Me encanta la energía de creación, cuando la gente está junta en un espacio creando. Algunos de mis mejores amigos y yo pasamos cinco horas sin decir una palabra, solo haciendo cosas.

Natascha: Hemos hablado mucho sobre cómo el arte te ha influido. Hemos hablado de comunidad, mentores, experiencias vividas y sanación personal. ¿Hay algo que no hayamos mencionado sobre cómo el arte ha cambiado tu vida para mejor?

Sara: Entonces probablemente una cosa de la que no hemos hablado es mi experiencia en el MFA, que creo que ha cambiado significativamente mi arte. Linda Granstrom, que es mi profesora en la Fort Hays State University, y luego Toby Flores. Tobias Flores, él es el profesor de escultura, así que bajo su tutela he hecho la mayor parte de mi trabajo en metal, y bajo la de ella he aprendido más sobre cerámica y cerámica figurativa porque ella es una ceramista figurativa.

Otra cosa que he aprendido recientemente es que soy una artista coroplástica, y no sabía que eso fuera cierto porque, aparentemente, quizá hayas oído hablar de las figurillas de Tanagra de la Grecia helenística. Pues bien, muchas de ellas son figurillas hechas en molde por gente común en varios talleres repartidos por la ciudad. En gran parte de mi trabajo, hago las partes originales del cuerpo y luego les saco moldes para poder hacer múltiples figuras más rápido. Uso esas piezas para colocar la pose, y luego hago el arte.

Natascha: Lo que te oigo decir es que tu público no es solo el público de hoy, sino el público del futuro.

Sara: Pues, sería como dice Linda, todos tenemos nuestra tribu; tenemos nuestra tribu artística, eso es lo que dice. Así que he aprendido que los creadores de las figurillas de Tanagra forman parte de mi tribu. Espero con interés leer más sobre ellos y aprender más.

Natascha: Qué bonito.

Sara: Sí.

Natascha: Volviendo al MFA, dijiste que estás trabajando con sus herramientas, pero también es una escuela en Kansas, así que vas para residencias? ¿Cuánto duran tus residencias y planeas todo antes de ir?

Sara: Sí. Sí. No tengo que estar allí mucho. Solo tengo que estar allí al final de cada semestre. Voy más a menudo porque hago metal. Me gusta hacer trabajos de fundición, y allí hay una fundición maravillosa. Me voy la semana que viene para ir a hacer más fundición.

Creo que ese entorno del MFA te pone en lo que yo llamo un mosh pit, donde estás un poco nadando en esta sopa de cosas a las que tienes que dar sentido. Siento como si estuviera saliendo de la sopa. Ha sido raro. Casi lo dejé un par de veces porque ha sido demasiado. Siento que las cosas ahora se están uniendo. Puedo entender mejor cuál será realmente mi trabajo de tesis para mi exposición de tesis.

Natascha: Ah, vaya.

Sara: Sí.

Natascha: Eso es lo siguiente.

Sara: Eso es lo realmente importante. Después, tengo mi exposición de tesis. La primera será en Kansas en junio de 2028. Aún me queda un año y medio. Luego estaré en el Museo de Arte Morris Graves después de eso durante, creo, un mes o dos meses. Gran parte de ese trabajo que estuvo en Kansas, ese trabajo de tesis, vendrá aquí para que la gente pueda verlo aquí.

Natascha: ¿Qué mensaje le gustaría ofrecer a través de su trabajo a las mujeres de su comunidad?

Sara: No tienes que conformarte con lo que te dicen que debes ser. Puedes ser quien eres. Las décadas y siglos y milenios de condicionamiento y roles no tienen por qué ser tu guion. Puedes encontrar tu espacio. Puedes mirar hacia dentro y encontrar lo que quieres, y puedes hacerlo.

Sara: Eso es realmente para lo que sirve mi trabajo para todos. ¿Por qué no parezco ridícula? ¿Por qué no nos llevamos bien? Quiero decir, ¿por qué no podemos simplemente parar? Simplemente detengámonos. Hay mucho más poder en un liderazgo colaborativo y receptivo que en un liderazgo autoritario basado en el dominio. Así que probablemente ese sea mi mensaje más importante. Podríamos hacerlo mejor de lo que estamos haciendo. Y es posible. Sí.

Natascha: ¿Cómo influyen su cultura y la justicia social en sus creaciones?

Sara: Eso enlaza bien con lo que acabamos de decir. Me he visto renunciar a lo que era para ser algo que se suponía que debía ser. Ves que eso le pasa a muchísimas personas. Está ocurriendo en el gobierno. Está ocurriendo en todo el mundo. Creo que ese es mi mensaje social. Solo necesitamos ser amables unos con otros, encontrar ese lugar tranquilo, detener la ira y pensarlo de verdad. Sí.

Natascha: Cuando pinta ese futuro, ¿cómo se ve?

Sara: Se ve como líderes que piensan en todos, en lugar de limitarse a ganar dinero. Eso, de hecho, trasciende a todos los partidos ahora mismo. Siendo honesta, creo que también se trata de cuidar de la gente. Somos perfectamente capaces. Este planeta podría alimentar a todo el mundo. Nadie necesita vivir como está viviendo. Ese sería mi mundo ideal.

Natascha: Gracias por compartirlo.

Sara: Por supuesto.

Natascha: Entonces, ¿cuál es tu experiencia como artista en Eureka? ¿Qué hace esta comunidad para apoyar a los artistas y ofrecerles espacio para crecer?

Sara: Hay muchos espacios allí. Obviamente tenemos las dos universidades, donde hay maravillosas y asombrosas oportunidades para aprender arte y exponer. Yo diría que es una promoción para la Redwood Art Association. Hay algunas organizaciones encantadoras donde puedes mostrar tu arte, y Redwood Art Association no somete las obras a jurado. Nunca le decimos a alguien que su trabajo no es lo suficientemente bueno. Cualquiera puede mostrar su trabajo si es miembro. Tenemos instituciones artísticas consolidadas como Morris Graves y Ink People que están dedicadas a las artes. Es una zona preciosa para aprender arte. Hay muchos artistas.

Natascha: Muchas personas con quienes colaborar.

Sara: Sí.

Natascha: Sí. ¿Dónde pueden los lectores encontrar más de tu arte?

Sara: Expongo regularmente en la Redwood Art Association, pero solo un par de piezas porque así es como organizamos nuestras exposiciones. Mi sitio web es Sarakimber.com. Tengo allí mi declaración de artista, mi biografía, mi currículum y todo; son bienvenidos a ver todo el trabajo que hay allí. Después tienes que venir a Morris Graves en 2028 y ver mi exposición allí. Todavía no estoy segura de cómo se va a llamar, pero probablemente Be Coming o algo por el estilo.

Natascha: Emocionante.

Sara: Sí. Gracias.

Natascha: Última pregunta, ¿qué consejo le daría a los artistas aspirantes?

Sara: Simplemente haz algo.

Simplemente haz algo.

Si estás sentado sin ganas de hacer nada, simplemente haz algo. Luego recuerda, si quieres ganarte la vida con ello, tienes que pensarlo como un negocio. ¿Cómo incorporas esos aspectos prácticos? Pero no sacrifiques tu hacer por el negocio.

Natascha: Bueno, gracias, Sara, por hablar conmigo y compartir las historias detrás de tu trabajo. Aprecio tu tiempo, tu apertura y tu contribución a nuestra comunidad creativa.

Sara: Muchas gracias. Ha sido realmente encantador hablar contigo.

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The Silence Within está en exhibición del 3 de octubre al 26 de noviembre de 2026, en Tidal Gallery, ubicada en 339 Second Street en Eureka, California. La galería está abierta los jueves y viernes de 10 a. m. a 4 p. m.

Natascha Pearson es una escritora, artista y organizadora comunitaria del condado de Humboldt que cursa un MFA en Escritura Creativa en Antioch University Los Angeles. Fundadora de Little Lost Forest, explora el arte, la identidad, el ambientalismo y la justicia social a través de la ficción, el periodismo y la narración comunitaria.